4.1.Три школы русского авангарда
АВАНГАРД – условное наименование различных художественных направлений в искусстве XX в., для которых характерно стремление к коренному изменению принципов и традиций художественной практики – кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, абстрактное искусство, аналитическое искусство, лучизм, конструктивизм, кубофутуризм, супрематизм, концептуализм, постмодернизм и др. Авангардисты стремятся к новым средствам выражения и формам произведений.
Из публикации Евгения Ковтуна:
Период обновления искусства (считая с начала движения импрессионистов), растянувшийся во Франции на десятки лет, уплотнился в России до 10–15 лет.
Движение кубизма возникло на западе в 1907–1908 гг., а к 1913 г. русское искусство, совершив за это пятилетие головокружительную эволюцию, обнаруживает четкие русла иных пластических начинаний. Новые явления располагаются в следующей хронологической последовательности:
– В 1910 появляются первые абстрактные холсты В.В. Кандинского (впервые с теоретическим обоснованием абстрактного искусства выступил в декабре 1911 г. (см. его доклад «О духовном в искусстве»);
– В 1911 г. возникает «лучизм» М.Ф. Ларионова – в 1913 издан манифест «Лучизм»;
– В 1912 – В.Е. Татлин (1885–1953), основоположник конструктивизма в пластических искусствах приступает к своим «живописным рельефам»;
– К 1913 г. относится начало «супрематизма» К.С. Малевича (1878–1935) – с теоретической программой супрематизма выступил в декабре 1915 г. – «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм». Пг. 1915;
– В предвоенные годы намечается живописное движение, связанное с именами Е.Г. Гуро и М.В. Матюшина (пластически-пространственный принцип, получивший позже название «теория расширенного смотрения» в живописи)
Эти оппозиционные начинания к кубизму продолжаются еще до 1922 г.
Сама логика развития искусства поставила творчески чутких перед неизбежностью выхода из кубизма. Кто останавливался на кубизме, тот окостеневал как художник и оттеснялся с магистрали развивающегося искусства."
Творческий метод П. Филонова, его разработка принципов «аналитического искусства» тоже шла вразрез с кубической геометризацией.
Казимир Малевич. Супрематизм
Иллюстрации:
Казимир Северинович Малевич (1879–1935) — художник-авангардист, педагог, теоретик искусства, философ. Основоположник супрематизма.
СУПРЕМАТИЗМ — условное наименование направления в авангардизме, созданного в середине 1910-х гг. в России К. Малевичем. Основная задача течения — выражение высшей, абсолютной реальности в простых формах. Картину Малевича «Черный квадрат» считают изобразительным манифестом супрематизма. Как разновидность абстрактного искусства супрематизм воплощался в сочетаниях простейших разноцветных и разновеликих геометрических фигур, образующих пронизанные внутренним движением и гармонически уравновешенные композиции.
Одни художники приходят в искусство, чтобы дать ответы на вселенские вопросы и обнажить красоту мира. Другие творят, чтобы открыть новые грани самовыражения и показать индивидуальность восприятия.
Казимир Малевич стал живописцем, чтобы через свои полотна задать человечеству главные вопросы. Каким может быть искусство будущего? Как отразить суть вещей? Что ждет нас в точке, к которой стремится бесконечность? И, наконец, как достичь нуля и, шагнув за него, открыть начало всего?
Художник-философ-изобретатель. Начав свой творческий путь с натурализма, Малевич «примерил» к себе импрессионизм, футуризм, а затем кубизм. Поняв, что всё это «мáло» и не способно в полной мере отразить открывшееся ему знание о бытии и понимание искусства, художник изобрел абсолютно новое направление в живописи — супрематизм, в котором основными доминантами живописи были признаны форма и цвет.
Используя разноцветные геометрические фигуры как универсальные инструменты, Малевич получил возможность создавать композиции, глубина и выразительность которых были безграничны и зависели лишь от восприятия зрителя.
Стремясь познать суть искусства и сделать осязаемой границу между небытием и явью, он, шагнув в будущее, создал «Черный квадрат», картину, которая уже много десятилетий удивляет, заставляет думать и напряженно всматриваться, стремясь отыскать за темной завесой точку, где окончание всего перерождается в начало.
Кто-то создает картины, известные и понятные миллионам, а кто-то творит для избранных. Полотна Малевича известны многим, но понятны единицам. Одних они пугают, других завораживают, у третьих вызывают недоумение. Но никого не оставляют равнодушными.
Михаил Матюшин. Расширенное смотрение
Иллюстрации:
Михаил Васильевич Матюшин (1861–1934) – живописец, скрипач, композитор. Видный деятель петербургского художественного авангарда. Художник и теоретик искусства, друг Малевича.
В живописи Матюшин развивал теорию органичной культуры, основанную на расширенном восприятии пространства и цвета, десятилетиями изучал влияние цветов на форму и друг на друга. Свои взгляды изложил в программных статьях «Опыт художника новой меры», «Опыт нового ощущения пространства», «Закономерность изменяемости цветовых сочетаний» и др. Всматриваясь в цветные фигуры пирамид и параллелепипедов, начинаешь воспринимать оптический эффект, описанный Матюшиным: «При длительном наблюдении холодные оттенки придают форме угловатость, цвет звездится, теплые оттенки, наоборот, создают ощущение округлости формы, цвет круглится». Преподавал в Академии Художеств (1918–1926). Руководитель отдела органической культуры Художественной культуры института (1923–1926). Ученики и последователи Матюшина составили группу «Зорвед» (1923) и Коллектив расширенного наблюдения («КОРН»; 1930). Результаты исследований применялись в Ленинграде при окраске домов, а дизайнеры одежды и интерьеров пользуются ими до сих пор.
Павел Филонов. Аналитическое искусство
Иллюстрации:
Павел Николаевич Филонов (1883–1941) — великий русский художник, один из лидеров русского авангарда, основатель и теоретик аналитического искусства. Художник-исследователь, как он официально именовал себя сам, поэт. Школа Филонова, коллектив «Мастера аналитического искусства» (МАИ) — одна из крупных школ русского авангарда.
АНАЛИТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО — метод, разработанный и обоснованный Филоновым в ряде теоретических работ и в собственном живописном творчестве 1910–1920-х гг. Отталкиваясь от принципов кубизма, Филонов считал необходимым обогатить его ограниченный рационализмом метод принципом «органического роста» художественной формы и «сделанности» картин. В своем искусстве Филонов шел от частного к общему, от «элементарных частиц» природного мира и живописного произведения к созданию целостной картины мира. В 1925 г. Филонов возглавил коллектив «Мастера аналитического искусства».
Школа Филонова — одна из крупных школ русского авангарда. Создана художником Павлом Николаевичем Филоновым в 1925 г., официально признана в 1927 г. как коллектив «Мастеров аналитического искусства» (МАИ) и существовала до 1932 г., но занятия продолжались до конца жизни мастера. Творческий метод МАИ основывался на теоретических установках Филонова, которые были развиты в манифесте «Сделанные картины» (Петербург, 1914 г.), в «Декларации Мирового расцвета» (Жизнь искусства, 1923 г. Номер 20, С.13), в рукописи «Идеология аналитического искусства и принцип сделанности».
ПИСЬМО П. Н. ФИЛОНОВА К BEPE ШОЛПО. Июль 1928.
Из статьи Евгения Ковтуна:Художник разработал положения о «глазе видящем» и «глазе знающем». Первый из них ведает передачей формы и цвета, с помощью второго, «глаза знающего», художник, опираясь на интуицию, воспроизводит процессы незримые, скрытые. Вот как Филонов пишет об этом: «Всякий видит под известным углом зрения, с одной стороны и до известной степени, либо спину, либо лицо объекта, всегда часть того, на что смотрит, – дальше этого не берет самый зоркий видящий глаз, но знающий глаз исследователя-изобретателя – мастера аналитического искусства – стремится к исчерпывающему видению, поскольку это возможно для человека; он смотрит своим анализом и мозгом и им видит там, где вообще не берет глаз художника. Так, например, видя только ствол, ветви, листья и цветы, допустим, яблони, в то же время знать или, анализируя, стремиться узнать, как берут и поглощают усики корней соки почвы, как эти соки бегут по клеточкам древесины вверх, как они распределяются в постоянной реакции на свет и тепло, перерабатываются и превращаются в атомистическую структуру ствола и ветвей, в зеленые листья, в белые с красным цветы, в зелено-желто-розовые яблоки и в грубую кору дерева. Именно это должно интересовать мастера, а не внешность яблони. Не так интересны штаны, сапоги, пиджак или лицо человека, как интересно явление мышления с его процессами в голове этого человека».